Este artículo es la segunda parte de este, así que antes de seguir leyendo, recomiendo echar un vistazo al primero.
Forrest Gump (1994). La película que más rabia me dio dejar fuera en el post previo, así que la incluyo la primera. Está dirigida por Robert Zemeckis, y escrita por Eric Roth y Winston Groom, que es el escritor de la novela con el mismo nombre, en la que se basa el filme. Y está protagonizada por un inmenso Tom Hanks en su papel más emblemático, y por Robin Wright.
El argumento del filme se centra en Forrest Gump (Hanks), desde su infancia se ve que es un niño con una discapacidad mental, pero eso no le impide ir quemando etapas de su vida, y vivir de primera mano muchos eventos relevantes en Estados Unidos, llega a conocer al presidente Kenney en la Casa Blanca, y llega a coincidir en un programa de televisión con John Lennon. Es una maravillosa locura de película.
Sus 6 Oscar la avalan, en un año en el que hubo otras grandes cintas, de las que hablé en el anterior post. Su banda sonora es sublime, y es mi favorita del cine, combina canciones de las épocas en las que se ambienta, desde 1945 a 1982, y ayudan a la inmersión la inclusión de artistas como Elvis Presley, Creedence Clearwater Revival o Aretha Franklin. Y cuentas hechos históricos muy relevantes en Estados Unidos como fue la Guerra de Vietnam o el escándalo Watergate.
Todo sobre mi madre (1999). Una de mis películas españolas favoritas, y una de las mejores del director más internacional de nuestro país, Pedro Almodovar, que también figura como guionista. Está protagonizada por Cecilia Roth, y aparecen grandes actrices en papeles importantes, como son Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan o Penélope Cruz.
No me gustaría desvelar nada de la trama, solo diré que la protagonista, Manuela (Roth), emprende un viaje a Barcelona, para reencontarse con su pasado y su antigua vida, con el objetivo de encontar al padre de su hijo Esteban.
Me encanta de la película, que demuestra que se puede hacer un filme con un gran número de mujeres en papeles importantes, y en roles protagonistas, hecho que desgraciadamente, no es muy común en el cine. Y esta es la seña de identidad del director manchego. Además, esta cinta consiguió alzarse con el Oscar a la Mejor Película Extranjera.
La lista de Schindler (Schindler´s List) (1993). La ganadora de siete Oscars no podía faltar en esta lista. Esta dirigida por Steven Spielberg, en una de sus mejores películas y más reconocibles. Está escrita por Steven Zaillian, y basado en la novela El arca de Schindler de Thomas Keneally. La cinta está protagonizada por Liam Neeson, Ralph Fiennes y Ben Kingsley.
La historia del filme, que está basada en hechos reales, se centra en la vida de Oskar Schindler (Neeson), que es un empresario de origen alemán, que salvó de morir en el Holocausto a más de mil judíos polacos, empleándolos en su fábrica.
De los siete galardones de la Academia, destacan el de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado o Mejor Banda Sonora; este último se lo llevó John Williams, en una de sus muchas colaboraciones con Spielberg. Además destaca de la película, el hecho de que sea en blanco y negro, y su fotografía es de lo más inmersiva.
Fargo (1996). El filme más aclamado de los hermanos Cohen, Joel y Ethan Cohen como guionistas y Joel como director hacen de esta película un gran cúmulo de eventualidades, que La Ley de Murphy de si algo puede salir mal, entonces saldrá mal, se queda corto con esta rocambolesca historia. Está protagonizada por William H. Macy, Frances McDormand y Steve Buscemi
El argumento se desarrolla en Minnesota, y tiene de protagonista a Jerry Lundegaard (Macy), que es un vendedor de coches, que al verse endeudado, decide contratar a dos matones, uno de ellos, el personaje de Buscemi, para raptar a su mujer y posteriormente, sobornar a su suegro, para así resolver su situación financiera. Pero no sale bien, y este rapto desenvoca en muertes, que tendrá que resolver Marge Gunderson (McDormand), que es la jefa de policía de Minnesota.
La cinta se alzó con dos Oscar, uno para los Cohen en Mejor Guion Original, y otro para McDormand en Mejor Actriz Secundaria. Además, en 2014, se desarrolló una serie bajo la misma temática, por hechos similares, pero con historias, personajes y épocas diferentes. La serie tiene el nombre de Fargo, y lleva tres temporadas, cada una distinta a la siguiente.
El club de la lucha (Fight Club) (1999). Una de las películas más reconocible del director estadounidense David Fincher. El guion corrió a cargo de Jim Uhls y Chuck Palahniuk, este último es el escritor de la novela en la que se basa el filme, con el nombre de Club de lucha. Está protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter.
El personaje de Norton (no se dice el nombre) es empleado de una empresa de coches, y sufre de insomnio y mucho aburrimiento. Decide ir al médico, pero éste en lugar de recetarle pastillas, le aconseja asisitir a un grupo de apoyo para ver lo qué es sufrir. En uno de estos grupos conoce a Marla Singer (Carter), y le resultará incómodo encontrársela, ya que hace lo mismo que él, asistir a grupos de enfermos, sin ser enfermos. Posteriormente, se encuentra en un vuelo con Tyler Durden (Pitt) a la vuelta de un vuelo comercial, y le pide que le deje quedarse en su apartamento, tras haber volado por los aires en una explosión. Poco después ambos, deciden crear un club de lucha, para que gente como ellos salga de lo establecido, y en sus luchas puedan desahogarse, liberar el sufrimiento y superar el rechazo de la gente.
No es una cinta fácil de comprender, al menos con un primer visionado con poca atención. Aunque si se le presta mucha atención, o se ve en al menos dos ocasiones, se disfruta mucho, porque se capta mejor el mensaje. Y además, tiene un giro final que te cambia completamente la percepción de lo que estabas viendo y entendiendo. Y la última escena es dinamita pura, con la canción de Where Is My Mind de los Pixies es un gran colofón.
Este artículo es continuación de este post, donde hice una lista de los 50. Aunque doy un gran salto temporal para hacer una de los 90, pero no dejaré de lado otras épocas, sin embargo no las voy a hacer en orden. Es probablemente, la década que más me va a costar hacer; haciendo una lista rápida de qué películas podría incluir, me han salido más de treinta, y aquí solo he incluido cinco. Y estas son:
Trainspotting (1996). La película dirigida por Danny Boyle y escrita por John Hodge, y está basada en la novela homónima de Irvine Welsh. Está protagonizada por un joven Ewan McGregor en el papel de Mark Renton.
Renton es un heroinómano, que no tiene más motivación en la vida que drogarse, y es esta una de las principales controversias del filme, no se muestra de una forma negativa el consumo de drogas, y para mí, es uno de los grandes valores de la cinta de Boyle, tampoco se enseña de forma positiva, ya que muestra a unos personajes apáticos, y que precisamente, no tienen una gran vida. Renton junto a sus amigos, Spud. Sick Boy, Tommy y Francis Begbie se dedican a las drogas, y a robar para poder consumir, a colación, la cinta comienza con el célebre monologo de Renton, Elige vida (Choose life), y es el siguiente:
"Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia.
Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos
de compact disc y abrelatas eléctricos. Elige la salud, colesterol bajo
y seguros dentales. Elige pagar hipotecas a interés fijo. Elige un piso
piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego.
Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos
tejidos. Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por
la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver tele-concursos que embotan la
mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida
basura. Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo
miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que
has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida...
¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la
vida: yo elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién
necesita razones cuando tienes heroína?"
Pulp Fiction (1994). La obra maestra de Quentin Tarantino, donde es director y guionista. Tiene un elenco magnífico, con nombres como John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis o Uma Thurman, los cuales están increíbles.
Prefiero no desvelar el argumento, porque no sé muy bien cómo hacerlo sin arruinar la película. La cinta cuenta cuatro historias que aparentemente no están vinculadas, pero de alguna manera se entrecruzan. La más famosa y la que más ha trascendido es la de Vincent Vega (Travolta) y Jules Winnfield (Jackson), que son dos matones, que van en busca de un maletín. Y de uno de sus grandes diálogos sale la frase que automáticamente asociamos a Pulp Fiction:
"Hamburguesas, la piedra angular de todo nutritivo desayuno.", dicha por Jules Winnfield.
En ésta se rompen esquemas, desaparece toda linealidad en la historia, ya que entre otras cosas, comienza por el final. . Y con este filme vislumbraremos un elemento importante en el cine de Tarantino, que es el uso de grafismos, para distinguir las partes de su película.
El silencio de los corderos (1991) (The Silence of the Lambs). Está dirigida por Jonathan Demme, y escrita por Ted Tally a partir de la novela homónima de Thomas Harris. Y tiene como protagonista a Jodie Foster y a Anthony Hopkins.
La historia que se cuenta es la de una joven agente del FBI, Clarice Starling (Foster), que tiene que resolver el caso de un asesino en serie, y para eso recurre al Doctor Lecter (Hopkins), que es un famoso asesino caníbal. Y se crea así una relación entre el doctor y la agente que está entre la fascinación y el miedo. Y ella le visita en repetidas ocasiones sin tener claro que sea una gran idea, ya que hacen un pacto, un quid pro quo por el cual Starling debe contarle cosas sobre su vida, para proseguir con la investigación y que Lecter responda cosas sobre Buffallo Bill, el asesino. Y como efecto colateral, el preso se meterá en su mente progresivamente.
Por
cierto Hopkins, hace un papel inolvidable del más conocido asesino en
serie de la historia del cine, que le valió el Oscar. También la cinta se llevó el de Mejor Actriz Protagonista para Foster, el de
Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado.
Uno de los nuestros(1990) (Goodfellas). La mejor película sobre gángster, después de El padrino. Y sin duda, una de los mejores filmes de Martin Scorsese, y el guion corre a cargo del propio director neoyorquino y de Nicholas Pileggi, el cual escribió el libro Wiseguy, en la que luego se basó la película. Además tiene como principales nombres a Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci, éste último recibió el Oscar al Mejor Actor Secundario.
El argumento trata sobre la historia de Henry Hill (Liotta), desde que entra como muy joven en la mafia italo-americana. Y cuenta el ascenso y caída de Hill y de sus compañeros Jimmy Conway (De Niro) y Tommy DeVito (Pesci). Y acompañaremos a este trio por dos décadas, viendo cómo evolucionan sus vidas, y asistiendo a sus actos criminales.
La gran virtud de este filme es cómo muestra el funcionamiento de la mafia, y los problemas de cada uno de los personajes protagonistas. Y como curiosidad, Uno de los nuestros,está seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por haber sido declarada de "importancia cultural",
Cadena perpetua(1994) (The Shawshank Redemption). Comparte año con Pulp Fiction, y lo que más sorprende es que no se lleváse ni un solo Oscar, Tarantino al menos consiguió el de Mejor Guion Original. La cinta que arrasó ese año fue Forrest Gump, que si hago otro artículo de los 90, sin duda la incluiré. Además, Cadena perpetua es la mejor película para IMDb, la mayor base de datos del cine, donde se puntuan películas.
La cinta está dirigida por Frank Darabont, y escrita por él mismo y por Stephen King, que escribió el libro en el cual está basado el filme, llamado Rita Hayworth y la redención de Shawshank. Y está protagonizada por Tim Robbins y Morgan Freeman. Los cuales bordan sus papeles, y tienen una gran química en pantalla.
Andy (Robbins) es vicepresidente de un banco, que es juzgado por el asesinato de su mujer y el amante de ella. A pesar de ser inocente, y defenderlo, las pruebas son suficientes como para condenarle a dos cadenas perpetuas, en la prisión Shawshank. Allí en prisión se hace amigo de Ellis Boyd "Red" Redding (Freeman), que le ayudará a conseguir lo que pida para sus aficiones. También sufrirá el acoso y violaciones de algunos de los presos, y conseguirá trato de favor con el alcaide, al ser un genio en las finanzas.
Y estas son las cinco películas que he elegido de los 90, no sin costarme ¿cuáles hubiéseis incluido vosotros?
Este será un primer post de, espero, una larga serie. Ya que quiero hacerlo de varias décadas. Y empiezo por los años 50. La lista de películas que incluyo en este primer post, no siguen ningún orden de preferencia, todas están al mismo nivel, y al menos haré uno más de los años 50.
Los siete samuráis (Shichinin no samurai) (1954). La obra maestra de Akira Kurosawa (director que admira la princesa Leonor) es una película imprescindible para cualquier amante del cine, se estrenó en 1954. Está protagonizada por Toshirô Mifune, y es una de las muchas películas que hicieron juntos Kurosawa y Mifune, comoRashomon, el bosque ensangrentado, de 1950, o Sanjuro, de 1962. El guion corre a cargo del ya mencionado director japonés, y de Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni.
El argumento trata sobre un pueblo de granjeros, que se ven en problemas con unos bandidos, ya que les arrebatan su alimento y dinero. Ante tal encrucijada, se ven obligados a contratar los servicios de los samuráis, siete en total, para que luchen por ellos, y que les libren de los ladrones.
Tan solo seis años de su estreno, se hizo una versión para Estados Unidos. En lugar de Japón, el pueblo era mexicano, y en lugar de samuráis, eran vaqueros, pero la historia en esencia es la misma.
12 hombres sin piedad, se estrenó en 1957, y está basada en la obra de teatro de Reginald Rose bajo el mismo nombre, 12 Angry Men, como nombre original. La película está escrita por Rose, y dirigida por Sidney Lumet, y protagonizada por Henry Fonda.
La cinta se centra en el transcurso de la deliberación de un jurado popular, para discernir si el acusado por asesinato del juicio en el que se ven envueltos, es culpable o no. El filme avanza bajo un mismo escenario, y con los mismos doce personajes. Y poco más que decir, ya escribí sobre esta película, dejo el enlace.
Senderos de gloria (Paths of Glory), está dirigida por Stanley Kubrick, y el guion está escrito conjuntamente por el director neoyorquino, Calder Willingham y Jim Thompson; y está protagonizada por un inconmensurable Kirk Douglas. Está basada en la novela homónima, escrita por Humphrey Cobb. Se llevó al cine en 1957.
El filme acontece en la Primera Guerra Mundial, y cuenta la historia desde la perspectiva del ejército francés, cuando ante la devastación y estragos de la guerra, decide amotinarse y no luchar. En contraposición a un general cegado por la búsqueda de gloria y reconocimiento, se embarca en una acometida militar arriesgada, imprudente e incluso suicida.
No hay muchas películas de este período histórico, si las comparamos a las de otros acontecimientos bélicos, como la Segunda Guerra Mundial o la Guerra de Vietnam, que se han llevado al cine en numerosas ocasiones.
La ley del silencio (On the Waterfront) es una cinta estrenada en 1954. Está dirigida por Elia Kazan y escrita por Budd Schulberg, además es una de las películas que cuenta con más estatuillas en su haber, la friolera de ocho. Está protagonizada por un genial Marlon Brando.
Brando interpreta a un boxeador retirado, Terry Malloy, que trabaja para la mafia que controla los muelles. La historia se centra en Malloy, que fortuitamente, presencia un asesinato, de dos de los matones de esta mafia. Y se le presenta el dilema de hablar, cuando conoce a la hermana del fallecido, ya que se siente en parte responsable de la muerte del joven.
Entre los ocho Oscars que recibió el filme, se llevó el de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion y el de Mejor Actor Principal, para Brando.
Cantando bajo la lluvia (Singin' in the Rain), el último filme que incluyo en este primer artículo. Es un musical dirigido por Stanley Donen y Gene Kelly, que también es el protagonista principal, junto con Debbie Reynolds y Donald O´Connor. Además está escrita por Betty Comden y Adolph Green. Se estrenó en 1952.
Cuenta la historia de los pormenores del cambio del cine mudo al sonoro, y cómo pudo afectar a algunos actores y actrices, con personajes ficticios. Don Lockwood, es un actor ya consagrado, que en compañía de su amigo Cosmo Brown, ha triunfado en el cine, y tiene como pareja a Lina Lamont, ante la prensa y público, ya que es algo ficticio y rentable para la compañía para que la trabaja, y se enamora de una Kathy Selden. que es una nueva joven actriz. Lamont no tiene una voz bonita, y se decide que la joven actriz cante por Lamont, para el rodaje de una nueva cinta.
Si gusta el artículo, seguiré con otras décadas, y también con los 50, que me he dejado grandes películas fuera.
Déjame salir es la película revelación de lo que llevamos de año, ha conseguido un gran consenso entre público y crítica. Sin hacer ruido ninguno, es una de las sorpresas positivas de este año. ¿Y por qué digo sorpresa? Sencillamente, por contar con actores de poco renombre, como Daniel Kaluuya (protagoniza el segundo episodio de la primera temporada de Black Mirror), pese a eso las actuaciones son muy destacables y convincentes. El filme, está escrito y dirigido por el actor y cómico Jordan Peele, haciendo su debut como director. A parte, se hizo bajo un presupuesto bajo, menos de cuatro millones de euros.
La cinta de suspense consigue una gran atracción hacia su historia, desde la mitad del largometraje hasta su conclusión, especialmente. Además, atrapa al espectador, y tiene un ritmo apabullante. Logra hacer parte al que ve la película de las sospechas que va teniendo Chris Washington (Kaluuya), sobre lo que pasa a su alrededor. La cinta comienza con Washington y su pareja de camino a casa de los padres de Rose Armitage (Allison Williams). Y desde el principio, sale uno de los temas claves a lo largo del filme: el racismo, de blancos hacia negros, y la inquietud del protagonista de sentirse fuera de lugar, en un ambiente enteramente "blanco".
Una vez llegan, Washington se da cuenta de que algo no va bien, de que algo raro ocurre. El comportamiento de la familia de ella y de los empleados del hogar de los Armitage es de lo más peculiar. Y dejo de contar, pero antes, es digno de mención la tensión de la que nos hace pasar Peele con su cinta, desde el uso de la música, hasta el uso de planos reflejando el agobio del protagonista. Una obra maestra en este sentido. Valoro muy positivamente en esta película su originalidad, no he visto nada parecido en cuanto a historia, y tiene un giro, que por lo menos yo, no conseguí descifrar demasiado pronto. Para fuera de Estados Unidos el conflicto racial, quizá se entienda menos, y le resta fuerza argumentativa, aun así, se entiende lo suficiente, la idiosincrasia del problema racial en este país. En definitiva, es un filme que se disfruta mucho, embauca al espectador de principio a fin, hasta el apoteosico final. Deja un gran sabor de boca, y es muy fácil de ver, es entretenida. Para quien sea fan, o le guste el género de suspense, prometo que le encantará. Valoraciones: IMDb: 7,8/10. Filmaffinity: 6,8/10 Metascore de Metacritic:84/100. Rotten Tomatoes: audiencia: 4,2/5 // crítica: 8,3/10. Mi valoración: 8/10
Dunkerque era una de las películas más esperadas del verano, sobre todo si eres fan de Cristopher Nolan, y una vez vista he de decir que no ha decepcionado, aunque tampoco diría que es la mejor de la filmografía del director británico, pero sí que la incluiría entre las mejores.
La cinta está basada en un episodio de la Segunda Guerra Mundial, que involucró a los soldados británicos, belgas y franceses que se apostaban en esa ciudad, y consitió en la evacuación de más de 300.000 hombres de Reino Unido. El filme está escrito y dirigido por Nolan, y cuenta con una impresionante banda sonora del célebre Hans Zimmer.
En cuanto al reparto, pese a contar con actores de renombre como Tom Hardy, Mark Rylance o Cillian Murphy, no llevan la carga argumental de la película sobre sus hombros, no es una cinta en la que destaquen las actuaciones; como suele ser habitual en el cine de Nolan, con la excepción del personaje del Joker de la película El caballero oscuro, a cargo de Heath Ledger.
El aspecto de más importancia del filme es el sonido acompañada de la BSO de Zimmer, todo suena como tiene que escucharse, y te hace esar inmerso en el fragor de la batalla. Además el juntar la música de Zimmer con la dirección de Nolan te consigue mantener en tensión en momentos claves de la película. Y te mete de lleno en la angustia de sobrevivir, hecho que se repite en varias escenas, donde se refleja la ansiedad del soldado de no morir ahogado.
El gran valor de la cinta es conseguir meterte en la batalla, y no solo en la película. Es lo más parecido a estar en una guerra, y es la película que más me ha acercado a esa sensación de estar en el capo de batalla. Otro gran aspecto a destacar, es que los hechos no ocurren de una forma lineal, de hecho, al comienzo, da unas claves temporales para entender mejor el desarrollo de la acción. Además, destacaría la fotografía en esta película, es de los mejores que he visto aplicado al cine bélico, y con especial atención a las escenas de las aeronaves.
Veo esta película como firme candidata a llevarse unos cuantos premios Oscar: en los que conciernen al sonido y banda sonora casi seguro; y de los grandes galardones, apostaría por mejor película y mejor director, ¡con estas dos premios tengo mucha menos confianza en mi apuesta. Veremos si se cumplen mis cábalas, aunque es mucho aventurarse a estas alturas.
Y por último, mencionaría como esencial, que Nolan se deshace de las cadenas del giro argumental, consigue un filme sólido, sin tener que hacer un giro que desconcierte al espectador. Eso sí, no pierde otra de sus esencias, que es la de la tensión argumental.
Ya ha pasado más de un mes, el 18 de mayo de este año, desde que Chris Cornell se suicidase; y este post me gustaría usarlo a modo de tributo, a una figura icónica del rock, y del movimiento grunge de la primera mitad de los 90, junto a Kurt Cobain (Nirvana), Eddie Vedder (Pearl Jam) y Layne Stayle (Alice in Chains); el único que sigue con vida es Vedder. Si encuentro inspiración, será una sección, incluyendo grandes músicos de la historia del rock. La característica que más destaco de Cornell es su voz, pero como compositor es una joya, demostrándolo en temas como Black Hole Sun o Show Me How to Live, a los que me referiré nuevamente más adelante. Primera etapa en Soundgarden
Cornell fue el frontman de Soundgarden, que inició su carrera en la industria, en 1984. Su primer gran disco fue Badmotorfinger, en 1991. Hay otros como Louder than Love o Screaming Life/Foop, pero me centraré en el primero mencionado, como catapulta a la fama de los de Seattle. El álbum, no fue un gran éxito en ventas, ya que en ese mismo salió a la venta Nevermind de Nirvana y en menor medida Ten, de Pearl Jam para acaparar la atención mediática. Estos tres discos significaron el inicio del grunge como fenómeno de masas, y sitúo a la ciudad de Seattle - lugar de origen de estas bandas de grunge, junto con Alice in Chains - en el epicentro de la industria musical global. Badmotorfinger tiene como principales singles Rusty Cage y Outshined.
Soundgarden - Rusty Cage
Soundgarden - Outshined
Paralelamente, Chris Cornell y miembros de la banda Mother Love Bone - predecesora de Pearl Jam, y extinta por la muerte de su vocalista, Andrew Wood - fundaron un grupo, Temple of the Dog, sacando un álbum con el mismo nombre, y del que quiero rescatar una canción. que es uno de los mejores duetos del rock, con Cornell y Vedder prestando su voz. La canción es Hunger Strike.
Temple of the Dog - Hunger Strike
Seguimos con la carrera del líder de Soundgarden, y el siguiente paso es el LP más exitoso de Soundgarden y claramente de su carrera, y este es Superunknown, lanzado en 1994, que ha conseguido hasta seis álbumes de platino, lo que significa más de seis millones de ventas mundiales. El gran single es Black Hole Sun, que es una de las mejores canciones de la década, y sin duda, del grunge. El disco como elemento propio también es uno de los mejores de los 90, y destaca por la gran fuerza que imprime Cornell en la mayoría de sus temas, entre ellos selecciono estos: Spoonman, Fell on Black Days y The Day I Tried to Live.
Tras estos álbumes, la banda se disolvió en 1997, y Cornell siguió con su carrera en la industria musical. El proyecto más interesante que relizó fue el que inició con Tom Morello y otros dos miembros de la banda Rage Against the Machine, con el de Seattle prestando su voz.
El grupo se llamó Audioslave, y sacaron tres albumes de estudio, desde el 2001 al 2007. En 2002 se sacó a la venta su primer LP, se tituló Audioslave, y dejó como singles destacados:Show Me How to Live, Cochise y Like a Stone; sin olvidar otro gran tema como es I Am the Highway. Tuvo éxito en cuanto a ventas, pero resultó predecible para la crítica, ya que fusionó las instrumentales de Rage Against the Machine, y la característica voz de Cornell, dejando un grupo sin un sonido propio. Personalmente, me encanta el disco, y deja un gran número de grandes temas.
Y el último disco de estudio, antes de la separación de Audioslave, salió a la venta en 2006, y no estuvo a la altura, bajo el título de Revelations.
Carrera en solitario
De la carrera musical de Cornell, por separado, que empezó con la disolución de Audioslave, prefiero destacar más que álbumes completos, algún que otro single.
La canción más destacada de su discografía personal es, sin duda, You Know My Name, perteneciente a la banda sonora de la película de James Bond, Casino Royale.
Soungarden se reunió en 2010, y dejó un nuevo LP, en 2012 con el título de King Animal . No fue el resurgimiento soñado, ya que tuvo escaso éxito; aunque dejó un buen tema como es Non-State Actor.
Soundgarden - Non-State Actor
Otro tema que destaco de esta vuelta de los de Seattle, es Live to Rise, que fue parte de la banda sonora de la película de Marvel, Los Vengadores.
En este artículo incluiré algunas de mis canciones preferidas del rock de esta década, voy a intentar ir más a lo menos conocido, por tanto, excluiré de este post, muchas de las grandes bandas. Quiero demostrar que no todo fue Nirvana, Pearl Jam o Green Day, que hubo más artistas, y sobre todo, más canciones icónicas, fuera del Smells Like Teen Spirit, Alive o Basket Case.
Los 90 es mi década por excelencia del rock, seguro que la mayoría discrepa, pero no me las voy a dar de culto, y decir que los 70 o los 80, son las mejores décadas del estilo rock, que probablemente lo sean, pero no son las que más conectan conmigo. También me voy a centrar en un área geográfica concreta, Estados Unidos, y el estilo que escogido es un rock alternativo, cercano al grunge y al hard rock, en muchas de las canciones.
Hecha la introducción, hago una selección de mis canciones preferidas, de bandas menos conocidas por el gran público. No será una lista en orden de mayor a menor preferencia, simplemente, será una enumeración.
1. Hunger Strike - Temple of the Dog. (el enlace dirige a la aplicación de Spotify)
El nombre del grupo seguro que os resulta desconocido, pero esta banda esta formada por artistas bastante conocidos, de la escena grunge. Temple of the Dog es. lo que se llama en el mundo musical, un supergrupo, que viene a ser: la agrupación de miembros de diferentes bandas, que confluyen para grabar un disco o algunos discos, bajo un nombre común, en este caso, se unen integrantes de Pearl Jam y de Soundgarden.
No voy a adentrarme mucho en la historia de la banda, más que se formó en tributo del difunto Andrew Wood, cantante de lo que ahora es Pearl Jam (en aquella época se llamaba Mother Love Bone), y que se refudó bajo el nuevo nombre con la llegada de Eddie Vedder. El grupo grabó un disco de estudio, bajo el nombre de Temple of the Dog, en 1991. En esta canción se unen dos de mis voces preferidas, la de Chris Cornell (Soundgarden) y la de Vedder, para hacer uno de los mejores duetos del rock. Hace un año, se anuncio que esta banda iba a hacer una gira, tras cumplir el 25 aniversario del lanzamiento del LP.
2. Selling the Drama - Live.
Live no es una banda muy conocida, pero saltaron al estrellato con su segundo álbum de estudio, Throwing Copper, de 1994, vendiendo más de 8 millones de copias, solo en los Estados Unidos. La canción más icónica de la banda, podría ser más bien Lightning Crashes, pero me gusta más Selling the Drama.
Este grupo, está en activo, aunque se han producido cambios en los integrantes, se podría decir que en 2009 terminó la actividad de Live, como tal. Tienen un estilo que se cataloga en el post-grunge (se acuñó esta distinción tras la muerte de Kurt Cobain), y el hard rock. En concreto esta canción, tiene un estribillo muy pegadizo, y se junta con una voz muy potente, la de Ed Kowalczyk. También animo a escuchar el disco, incluye grandes temas, como los mencionados, I Aloneo All Over You.
3. Shine - Collective Soul.
Este tema se sitúa en el álbum Hints, Allegations, and Things Left Unsaid, de 1993, fue el gran éxito tanto del grupo, como de este LP, y no han vuelto a tener la repercusión, que lograron gracias a este single, este disco fue el primero de los estadounidenses.
Otras canciones destacadas de la discografía del grupo, pueden ser The World I Know, o December (45 Version). El estilo, es más de lo mismo, pertenece al mismo género que Live, situados en el post-grunge y el hard rock. Siguen en activo, y han cambiado algunos de sus componenetes, desde que la banda empezó hasta nuestros días.
4. No Rain - Blind Melon.
Este single se encuentra en su álbum debut,Blind Melon, que consiguió vender cuatro millones de copias. El éxito del grupo residió en el single que aquí pongo, y no volvieron a igualarlo con ningún otro tema. Tienen un estilo más alejado del hard rock o post-grunge, del resto de la lista, y se sitúan más en el rock alternativo, tienen tintes de rock más clásico. Y difiere de otros videocíps, en que se usan colores más vivos, y huye de esa apatía de muchos de los otros vídeos, como el de Live o Collective Soul. También se refleja en la letra, que es mucho más animada.
La banda se disolvió en 1995, debido a la muerte por sobredosis de cocaína, del cantante, Shannon Hoon. Y se volvió a juntar en 2006, ya con nuevo vocalista.
5. Far Behind - Candlebox.
Este single está en el álbum Candlebox. de 1993, siendo su debut; consiguió vender siete millones de copias, y se sitúo en el puesto 7 de la lista de Billboard, durante varios meses. Este álbum,y esta canción son los grandes éxitos de la banda, que no han podido igualar, el disco es bastante sólido, y también recomiendo escucharlo. Otra canción destacada de su discografía es You, de este mismo LP. Candlebox se pueden situar entre los estilos grunge y post-grunge, además, de en el de rock alternativo.
La banda se mantiene hoy día en activo, con un período de seis años de separación, también ha sufrido cambios en su composición, algunos miembros se marcharon, y otros les reemplazaron. Como curiosidad, empezaron llamándose Uncle Duke, y se rebautizaron con el nombre actual, en homenaje a un single de Midnight Oil.
6. Lump - The Presidents of the United States.
Esta canción tiene un ritmo acelerado, con un estribillo pegadizo, que consigue desprender gran energía. Otro tema del grupo que destaco es: la absurda Peaches, que habla literalmente de melocotones, y el estribillo es de esta simpleza:
"Movin' to the country (me voy a mudar al pueblo)
Gonna eat a lot of peaches (voy a comer un montón de melocotones)"
De este también pongo vídeo, pese a no ser la canción protagonista, pero merece la pena ver el videoclíp, es tan absurdo el final.
El álbum al que pertenecen ambos temas es el experimental The Presidents of the United States, llamado como el grupo y lanzado en 1995, siendo su primer disco de estudio. Es el gran y único éxito, con este LP, llegaron a ser nominados a dos Grammy, es un disco curioso de escuchar. Otra banda más que ha sufrido rupturas y marchas de miembros, aun así, siguen actualmente en activo.
La primera canción es Lump, la segunda Peaches.
7. What´s Up - 4 Non Blondes.
Este grupo y esta canción, es el ejemplo claro del éxito al que se puede llegar gracias a un single. Pero este tema ha eclipsado su propia carrera, y no volvieron a sacar un nuevo LP. También es el tema más conocido que expongo en este post. La canción se encuentra en el álbum Bigger, Better, Faster, More!, de 1992.
El grupo se disolvió en el 1994, y se han reunido eventualmente para dar conciertos, se les podría situar en un estilo entre el hard rock y el rock alternativo. La cantante, Linda Perry sacó también su propio disco, sin mucho éxito. Otra peculiaridad, es que las integrantes son todas mujeres, el rock es un género en el que predominan los hombres.
8. Push - Matchbox Twenty.
Es uno de los grupos, que ha hecho una carrera más sólida de los que he mencionado, junto con Live. Esta canción se encuentra en su primer álbum de estudio, Yourself or Someone Like You, de 1996, del que destaco otras canciones como 3AM o Back 2 Good. Este LP ha vendido 15 millones hasta la fecha, y que también recomiendo escuchar. Push tiene un estribillo muy pegadizo, acompañada de una gran voz, como es la delcantante, Rob Thomas, que también tiene discografía en solitario, y que ha tenido cierto éxito.
Entre otras canciones me gustaría mencionar, ya del nuevo siglo, son Unwell o How Far We´ve Come. Siguen en activo, produciendo discos como el recopilatorio, con canciones exclusivas, Exile on Mainstream, en 2007. El estilo de la banda está situado en el estilo de rock alternativo. Matchbox Twenty sigue en activo, y su último disco data de 2012.
9. Semi-Charmed Life - Third Eye Blind.
Este tema es el más icónico de la banda, y se encuentra en su álbum debut, Third Eye Blind, de 1997. La canción tiene un ritmo animado, y es de lo más pegadiza Este LP es el más vendido del grupo, hasta la fecha, e incluye grandes de sus éxitos como: How´s It Going to Be o Jumper.
La banda sigue en activo, y su último disco es de 2015. Su estilo, lo incluiría entre el post-grunge y el rock alternativo. Desde su primer álbum, no han podido igualar su éxito, ni tampoco han sacado grandes temas, aunque si tuviese que mencionar alguno posterior, sería Never Let You Go, de Blue , el que es su segundo LP, de 1999.
10. Higher - Creed.
La canción pertenece a su segundo álbum de estudio, Human Clay, que es de 1999; donde se encuentra esta canción. La banda tiene un estilo situado en el rock alternativo, post-grunge y el hard rock. El cantante es Scott Stapp, que tiene una voz muy potente, que se complementa a las mil maravillas con los instrumentos, en Higher.
El grupo está actualmente inactivo, en 2004 se separaron, y en 2009 volvieron, produciendo un LP. Otras canciones que destacaría de Creed son One Last Breath y My Sacrifice, del álbum de 2001, Weathered. Otro tema que conocido es My Own Prison, del también llamado My Own Prison, de 1997, su primer disco.
Me estoy dejando muchas canciones por el camino, así que si veo cierto interés en este artículo, hará otro post, con la misma estructura, y con el mismo volumen de canciones, y probablemente, lo centre en el britpop y en el rock alternativo en Gran Bretaña.
La La Land es una película musical estadounidense, escrita y dirigida por Damien Chazelle. Está protagonizada por Emma Stone en el papel de Mia, y Ryan Gosling en el de Sebastian. El filme se vio envuelto en la polémica de la última gala de los Oscar, al ser designada como Mejor Película, cuando el galardón le correspondía a Moonlight. La trama se centra en dos jóvenes, es una cinta de muy poco peso, por parte de los actores secundarios. Mia tiene como sueño ser actriz, va de audición en audición, mientras trabaja en una cafetería en Hollywood. Sebastian es un pianista de jazz, que se gana la vida trabajando en lugares, que al no le placen, no está en lo mejor de su carrera. Los sueños de ambos, serán uno de los pilares de la historia. La cinta está muy cuidada, está hecha al más mínimo detalle. Se nota la mano en la dirección de Chazelle, cada plano, cada secuencia, es un disfrute. Introduce elementos del cine cláscico, como el tipo de letra, y los cambios de escena, poniendo la pantalla en negro, exceptuando el centro, en un círculo, que se expande para seguir con la película. La ciudad de las estrellas, como se titula en España, no es el musical prototípico, abunda el guion, y nada desdeñable. No es solo, una compilación de canciones y coreografías musicales, que se sucede para contar la historia, sino que los temas y bailes son un elemento que enriquecen el argumento. Del musical mantiene lo que es obvio, la escenografía musical, pero también el tono desenfafado, y alegre, propio de muchos musiclaes.
En el apartado de actuaciones destaca Emma Stone, que desborda alegría, y un papel que parece más sencillo de lo que es, suele ser más fácil expresar tristeza que felicidad, y en el caso de Stone consigue ambas facetas del personaje. Además, hemos descubierto a una magnífica cantante. Y esta actuación le ha valido el Oscar, siendo relevante por no ser un papel de drama, que son los que suelen copar los galardones. Ryan Gosling también se come la pantalla, y es parte imprescindible, en este tándem que forma con Stone, pero quizá, está menos deslumbrantes que la actriz. Chazelle revitaliza este género, que brillaba por su ausencia, la última oscarizada fue Chicago, en 2002; y de los últimos años recuerdo Sweeney Todd, o Los Miserables. No puedo pensar, en mejor persona que el director de Whiplash, es un maestro a la hora de introducir la música en la película, de manera que sea pilar fundamental de sus dos películas. Y se ve reflejado su pasión por el jazz, que al público le llega sin filtros, y muy claro. La banda sonora es estupenda, y muy recomendable de escuchar, y no solo en la película, también como ente propio.
La La Land fue una de las grandes triunfadoras de la última ceremonia, la 89, de la Academia. Recibió 6 Oscar, incluyendo el mencionado de mejor actriz, además del de mejor director para Chazelle, mejor cinematografía, mejor diseño de producción, mejor banda sonora, y mejor canción original, por City of Stars. La cinta de Damien Chazelle debió alzarse con el galardón a mejor película, pese a que Moonlight sea una gran película, La La Land será recordada, porque su forma de contar la historia, el cómo, es sublime; mientras que la otra tiene mejor trama que ofrecer, pero la forma de contarla, no es más que correcta. Sin embrago, la mejor canción original, tuvo que ser para How Far I´ll Go, de la película de Disney, Vaiana (Moana). Por último, no soy un gran fan del estilo musical, por eso, me sorprendió aun más la película, iba con prejuicios antes de verla, previendo que no me iba a gustar, pero no fue así, es más, me encantó. La disfruté mucho. Tráiler en español:
Moonlight es una película estadounidense escrita y dirigida por Barry Jenkins. En la última edición de los Oscar, la 89, se alzó con el ansiado galardón a Mejor Película, además del de mejor guion adaptado, y el de mejor actor secundario, por la interpretación de Mahershala Ali.
Fuera de la polémica que hubo con el premio a mejor película, del que no voy a comentar nada, porque ya es de sobra conocido. Lo recuerdo en el vídeo a continuación, por si has sido la única persona que no se ha enterado. El galardón es merecido, y más por el momento que está viviendo el país norteamericano.
Moonlight gira en torno a un chaval negro, desde su niñez hasta que se hace un hombre; se pueden distinguir tres fases muy reconocibles, la primera Little, que es nuestro protagonista en su niñez. La siguiente parte la de Chiron, su nombre, en la que nos encontramos al personaje en su etapa de adolescencia en el instituto. Y para finalizar, la última época, la de Black, en la que el protagonista es ya un hombre adulto, joven, pero maduro.
En la primera parte del filme destaco el papel del secundario Ali, que como ya dije se alzó con la estatuilla. Su personaje, Juan, encuentra a Little en una casa desprotegido y acobardado, se le lleva a su casa, junto a su pareja Teresa (interpretada por Janelle Monáe), allí consigue sacarle algunas palabras, y así, saber su nombre y dónde vive. Y así topamos con uno de los personajes más importanes, la madre de Little, interpretada por Naomie Harris. Otro personaje que aparece es el mejor amigo de nuestro personaje, Kevin, que será parte imprescindible de la historia. En esta parte podemos ver la escena más famosa de la cinta, que es la que aparece Juan bañando en el mar al pequeño protagonista.
El segundo tercio del filme aparece el conflicto, la homosexualidad latente de Chiron, como en este segmento se presenta al protagonista; le hacen bullyng en el instituto, acusándole de ser gay. Se ve también los problemas que tiene en casa, a causa de su madre, y que le lleva a refugiarse en Teresa, que actúa como su segunda madre. Y al final de esta parte de la película, se produce un hecho que provoca el cambio radical del personaje en el último tercio. Esta es la parte que más me gustó, y la que más crudeza muestra, también tiene escenas memorables como la confrontación que tiene Chiron con su madre, o con sus compañeros de instituto.
El último segmento de película, es quizá el que me decepcionó en cierta manera, el protagonista, ahora conocido como Black, es ya adulto, y el momento más destacado es su reencuentro con su amigo Kevin. Pero está parte me decepcionó, no por la historia que se cuenta, si no porque el actor encargado de interpretar al protagonista, es con el que menos empaticé.
En conjunto, Moonlight es un gran filme, aporta algo al cine, una historia poco convencional para los estándares de Hollywood, es una película enteramente negra, desde el director a casi la totalidad de actores implicados. Y es la típica cinta que te dijo ja cierto poso, no te quedas igual, antes que después de verla, y es algo de agradecer. Destaco por encima de todo las actuaciones de los actores secundarios, me resultan magníficas. En cierto modo es poco original en cuanto a, cómo cuenta la trama, de forma lineal, ningún uso de flashback, etc., pero el qué cuenta, el argumento, es sencillamente magnífico.
El viento que agita la cebada es una película irlandesa, dirigida por el aclamado director británico Ken Loach, y con guion de Paul Laverty. Está protagonizada por Cillian Murphy, que se le conoce por ser El espantapájaros en Batman Begins, de Christopher Nolan, en el reparto también destaca Liam Cunninghan, que le conocemos hoy día en el papel de Davos en Juego de Tronos.
El filme se sitúa en el año 1920, en la Irlanda ocupada por el Imperio Británico. Damien O´Donnovan (interpretado por Murphy) deja su carrera de medicina de lado, por unirse a su hermano Teddy (interpretado por Pádraric Delaney) en la guerrilla por la liberación de Irlanda, frente al invasor extranjero. En una de las incursiones en el bosque, los británicos descubren la posición de ambos hermanos y un número considerable de combatientes y los llevan a unos calabozos, donde conocen a Dan (interpretado por Cunninghan), que se une a su lucha.
En la cinta se suceden batallas, en las que el IRA (Irish Republican Army) merma al ejército británico, mediante tácticas propias a la guerrilla, y al conocimiento del entorno. Una gran materia que se trata son los abusos por parte de los británicos a la población local, y es la razón principal que hace que Damien O´Donnovan se una al IRA, este asunto es recurrente desde el principio, y relacionado con esto, la crudeza de la tortura, y en muchos otros casos los asesinatos indiscriminados, sobre los lugareños.
También como tema importante aparece el socialismo, que se deja ver en un juicio por parte de un seudo tribunal irlandés, que hace pagar al explotador una cantidad de dinero a una pobre señora, por haberla estado engañando a la hora del pago del alquiler. Y el socialismo será también algo que vaya dividiendo a ambos hermanos. En el caso de Teddy, el fin justifica los medios, ya que el dinero que reciben para comprar armas, lo tienen los poderosos, los ricos, los grandes terratenientes irlandeses, Y Damien ve esto diferente, él cree en una independencia de Irlanda, y que sea una república socialista, por tanto, esta forma de proceder no le parece la adecuada.
Esta película, se alzó con el distinguido premio de la Palma de Oro de Cannes, en la edición del año 2006.
La cinta en su conjunto, me pareció muy intereseante en cuanto al contenido, se trata de una forma cercana cómo fue el conflicto armado entre brtánicos e irlandeses, y posteriormente, del que no quiero desvelar mucho, el que será una lucha fraticida de irlandeses. Este último es de auténtica crudeza.
Este es un artículo que he estado guardando hasta el día de hoy, porque el hecho ocurrió en esta fecha (3 de febrero), en 1959.
Me adelanto en el tiempo, un 26 de mayo de 1971 el compositor estadounidense Don McLean publicó su sencillo más conocido, American Pie, que es una de las canciones más tristes y bonitas de este género. En ésta McLean canta sobreEl día que murió la música, nombre que acuñó él mismo, para la tragedia que osrelataré a continuación. La canción habla también de la historia del rock desde este suceso, hasta la época del lanzamiento del single, o lo que es lo mismo, habla de la música durante los 60.En este artículo se explica el tema de McLean de una forma más detallada y minuciosa, línea por línea. El día que murió la música hace referencia al accidente aéreo, que acabó con la vida de los cantantes y compositores de rock and roll Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper, los tres músicos estaban realizando una gira por Estados Unidos, la avioneta se estrelló en un maizal, en Clear Lake (Iowa). La gira, que contaba con otros artistas como Dion DiMucci, Dion and The Belmonts, y Frankie Sardo, comenzó en Milwaukee (Wisconsin), el 23 de enero de 1959. El tour que se estaba haciendo en autobús, tenía dificultades por las grandes distancias entre eventos, y sobre todo, porque al inició de la gira, la calefacción del autocar se averió, recordemos que era invierno.
Estos sucesos provocaron el cansancio de muchos de los artistas, y desencadenó que Buddy Holly alquilase los servicios de Roger Peterson, piloto de la avioneta que se estrellaría, que contaba con cuatro asientos, y así llegar antes y en mejores condiciones a su próximo destino Moorhead (Minnesota). A día de hoy, no se sabe muy bien que ocurrió, la teoría más aceptada es que el piloto de la aeronave voló directo a una ventisca, y que perdió el contacto visual, y esto le llevó a volar hacia a bajo, en lugar de arriba. En este artículo de la revista Time viene explicado más detallado, solo que en inglés.
Como curiosidades de la tragedia, el puesto que al final ocupó The Big Bopper estaba destinado al bajista de Holly, Waylon Jennings, que cedió su sitio ya que Bopper sufría un grave resfriado. Y el lugar que al final ocupó Valens pudo haber sidopara el guitarrista de Holly, Tommy Allsup, pero finalmente no subió a la avioneta, ya que se jugaron su sitio a un lanzamiento de moneda, perdiémdolo así.
Buddy Holly. El artista estadounidense murió a la temprana edad de 22 años, cortando así una de las carreras musicales más prometedoras de esos años, en los que el rock and roll daba sus primeros pasos, con otros músicos de la talla de Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, Eddie Cochran, Bill Haylley and His Comets o Jerry Lee Lewis. Con solamente cinco años de actividad en la industria, Holly logró un gran número de éxitos intemporales como son Peggy Sue, Eveyday o That´ll Be the Day. Su éxito le valió el ingresar en 1986 en el salón de la fama del rock and roll, y la revista Rolling Stonele incluyó en su lista de The 100 Greatest Artists of All Time (Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos)en el número 13.
Buddy Holly - Peggy Sue.
Ritchie Valens. El cantante y compositor norteamericano, de ascendencia mexicana falleció con 17 años, truncando la carrera de este joven artista, que tuvo un periodo de actividad en la profesión de tan solo 8 meses. Su mayor éxito fue el tema La bamba, y otro mencionable es Donna. Uno de las peculiaridades de Valens era que cantaba alguno de sus sencillos en español, como la ya mencionada La bamba, que era una canción popular de México, a la que fusiono con el estilo de rock and roll.
The Big Bopper. El artista texano falleció a la edad de 28 años, antes de empezar su carrera musical más en serio, fue pinchadiscos en una emisora local KTRM, donde en 1957 estableció un récord mundial de continua difusión, trabajando seis días sin parar girando un total de 1.821 canciones. Su éxito más conocido es Chantilly Lace.
